23 de septiembre de 2009

Publicidad y Ópera (III) - "Sempre libera al desio" - La Traviata - Giuseppe Verdi

Una de las obras más conocidas del repertorio verdiano, y a la que se ha recurrido en más de una ocasión para ambientar anuncios publicitarios, es La Traviata de Giuseppe Verdi. Todos conocemos el famoso brindis interpretado en multitud de eventos musicales como colofón de los mismos.
Pero, La Traviata es mucho más que eso.

Aparte de ser mi ópera favorita, es la obra en la que en mi opinión, Verdi puso al servicio de la música su sensibilidad más extrema. Desde el primer compas del preludio hasta el cierre del último acto, es sensiblidad en estado puro.

En el post que me ocupa, el fragmento "Sempre libera", corresponde a la cabaletta (pieza musical de corte virtuisístico que seguía al aria principal y que permitía a los solistas exponer todo su poderío vocal). El anunciante (una marca de coches oriental) lo utiliza como fondo para darnos a entender las posibilidades del vehículo en cuestión, que aparece sorteando toda clase de obstáculos urbanos: una escalera que le da una patada, un edificio que se dobla para aplastarlo...

Indudablemente da mucho juego, porque el ritmo trepidante de esta pieza, nos invita a pensar en un baile.

En ella Violetta Valéry, la protagonista, habla de su deseo de vivir feliz lo que le quede de vida(ya que está enferma de tuberculosis), entregada a todos los placeres que su vida de meretriz le permita. Está totalmente entregada a su deseo y su miedo al compromiso le produce este delirio. Pero en medio de esta efusividad, Alfredo Germont (joven que le ha declarado su amor apenas unos minutos antes) aparece desde fuera de la escena, recordándole las palabras de amor que le ha dicho a solas. Ella duda, pero está tan extasiada, tan nerviosa y tan contenta que no quiere escucharlo, y para ello repite otra vez su cantinela con mucho más virtusisimo.
La primera vez que escuché este aria fue con Joan Sutherland, acompañada en la orquesta por su marido Richard Bonynge. La escuchaba una y otra vez, y no me cansaba de ella. Con el tiempo fui descubriendo otras versiones, en otras cantantes; todas me descubrieron una personalidad diferente de Violetta Valéry, y cada versión esconde un secreto de la personalidad de esta mujer.
En otra ocasión abordaré esta obra en profundidad, porque insisto: es muchísimo más que el "brindis".


Violetta

Sempre libera degg'io

Folleggiar di gioia in gioia,

Vò che scorra il viver mio

Pei sentieri del piacer,

Nasca il giorno, o il giorno muoia,

Sempre lieta nè ritrovi

A diletti sempre nuovi

Dee volare il mio pensier.


Violeta

Sí, debo, siempre libre

gozar de fiesta en fiesta.

Quiero que mi vida pase siempre

por los caminos del placer.

Que el día nazca o muera,

debo vivir siempre en los lugares

de placer buscando nuevas alegrías

16 de septiembre de 2009

Publicidad y Ópera (II) - "Der Hölle Rache kocht in meinem Herzen " - Die Zauberflöte, Wolfgang Amadeus Mozart

Siguiendo con la relación entre la Publicidad y la Ópera, una marca de profilácticos se ha servido de una de las arias más conocidas para simular el climax de las protagonistas que aparecen en el anuncio.
Ni que decir tiene que si el objetivo es mostrarnos el grado de éxtasis que podemos alcanzar con la utilización del producto que nos presentan, sin duda, lo consiguen , porque las sugerentes escenas que nos muestran están bien encajadas con los momentos más álgidos de la página operística de la que vamos a hablar.

Es vox populi que Mozart fue un genio, a pesar de que Miloš Forman en su película "Amadeus" nos lo presentara como un "enfant terrible", caprichoso, juerguista, y demás adjetivos calificativos.
En esta película, precisamente, el aria en cuestión nos la introducen con una escena en la que la suegra de Mozart está gritandole desde lo alto de una escalera. A continuación, aparece la Reina de la noche (König der Nacht) sobre una luna en cuarto creciente, y un cielo completamente estrellado interpretando el aria.
"Die Zauberflöte" (La flauta mágica) fue una de las últimas composiciones que Mozart escribió por encargo de su amigo Emanuel Schikaneder, actor y empresario teatral. Ambos pasaban apuros económicos y Mozart aceptó escribir una obra que pudiera reportarles ingresos a los dos.
Durante el período de composición de La Flauta Mágica, Mozart estaba escribiendo dos obras más: el Requiem (que no terminó) y La Clemenza di Tito (un encargo de la corte para celebrar la coronación de Lepoldo II).
La flauta mágica se enmarca dentro del estilo popular del "singspiel" (similar a la zarzuela española, en el que se intercalan partes habladas-recitativos- y fragmentos musicales-arias-).
Es una obra muy compleja, puesto que a simple vista parece un cuento de niños, en el que los personajes parecen estar representando un cuento de hadas, totalmente irreal y fruto de una mente infantil. Pero si estudiamos a fondo la historia, nos damos cuenta de que en realidad se trata de una historia tremendamente romántica, en la que aparece la lucha interior del protagonista Tamino, por conseguir el amor de Pamina.
La Reina de la Noche, protagonista del aria que nos ocupa, es la madre de Pamina. Ésta ha sido secuestrada por Sarastro, sumo sacerdote del templo de la sabiduría. En este aria, La Reina expresa toda su rabia al comprobar que su hija ha elegido a Tamino en vez de ejecutar su venganza contra Sarastro.
Musicalmente es un aria muy exigente para la ejecutante. Mozart escribió una página en la que la soprano tiene que expresar una gran dosis de rabia, y con los sobreagudos nos da a entender un histrionismo propio de una mujer desquiciada e histérica ante la impotencia de no conseguir su objetivo.



KÖNIGIN DER NACHT


Der Hölle Rache kocht
in meinem Herzen,
Tod und Verzweiflung flammet
um mich her!
Fühlt nicht durch dich
Sarastro Todesschmerzen,
So bist du meine Tochter
nimmermehr.
Verstoßen sei auf ewig,
verlassen sei auf ewig.
Zertrümmert sei'n auf ewig
alle Bande der Natur,
Wenn nicht durch dich Sarastro
wird erblassen!
Hört, Rachegötter,
hört der Mutter Schwur!

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LA REINA DE LA NOCHE


¡La venganza del infierno
hierve en mi corazón,
la muerte y la desesperación
arden a mi alrededor!
Si Sarastro no siente, por tu mano,
los dolores de la muerte,
nunca más serás hija mía.
¡Repudiada y abandonada serás
por toda la eternidad,
destruidos quedarán
todos los lazos de la Naturaleza,
si Sarastro no expira por tu mano!
¡Escuchad!
¡Dioses de la venganza!
¡Escuchad el juramento
de una madre!

12 de septiembre de 2009

Publicidad y Ópera (I) - "L'amour est un oiseau rebelle" - Carmen, Georges Bizet

La nueva campaña publicitaria de unos grandes almacenes tiene como fondo musical una de las páginas más famosas de la historia de la Ópera, y además, han utilizado la grabación protagonizada por una de las voces más ovacionadas y criticadas del siglo XX: María Callas.

La publicidad comercial también ser sirve de la Ópera para ambientar el fondo musical de sus mensajes y últimanente parece que es un recurso muy habitual entre los creativos. Desconozco cual es la intención inicial de los creativos publicitarios a la hora de elegir las bandas sonoras de sus anuncios cuando eligen un aria o un fragmento perteneciente a una Ópera, pero sí puedo opinar sobre la impresión que la asociación me produce o me transmite.

En concreto se trata sobre la nueva colección de moda de otoño para mujer de los grandes almacenes.


El fragmento que se ha elegido para el anuncio es el aria de entrada de la cigarrera. La forma musical que Bizet utilizó fue la habanera, que por su estructura indica un movimiento sensual.


Carmen se estrenó en la ópera de París en 1875 poco después de fallecer el compositor. La historia narra las aventuras amorosas de una mujer humilde que trabaja en la fábrica de tabaco de Sevilla.

Carmen es un personaje tremendamente pasional y quizás uno de los referentes femeninos para muchas mujeres... y un oscuro objeto de deseo para muchos hombres. Es una mujer de fuerte caracter, con una personalidad muy marcada, segura de sí misma y del atractivo que posee lo que la hace disfrutar del deseo que provoca a su alrededor. Tal es su personalidad que deja en un segundo plano al pobre Don José, al malogrado Escamillo, a sus amigas Mercedes y Frasquita, y al inocente Micaela, todos ellos co-protagonistas de la historia.


A finales del siglo XIX la ópera ya estaba entrando en un perído de transición, en el que se estaban abandonando las antiguas estructuras de composición. En este contexto la Ópera de París que era el referente para el norte de Europa, tenía sus propias normas en cuanto a la estructura que debía de contener una obra escrita para ese teatro.


Carmen es, quizás, la primera ópera que tiene continuidad musical en el desarrollo, en el que las escenas se desarrollan de una manera tan vertiginosa, que al igual que un libro nos engancha con el desarrollo de su acción, en esta obra la música y la acción consiguen que nos enganchemos desde el mismo momento en que la protagonista aparece en escena.


Para un personaje tan importante la entrada en el escenario, tiene que ir acompañada de un número musical a la altura de las circunstancias, y Bizet lo consigue, puesto que es necesario que pasen cerca de 20 min para que veamos quién es Carmen. Para agudizar el interés, el compositor hace que el coro hable de ella, mientras que nosotros como expectadores estamos ávidos de verla.


Y aparece, vaya que si aparece, como una reina vestida con arapos, pero eso no nos importa, porque en el momento que abre la boca, ya nos ha conquistado y estamos perdidos. La pasión y la lujuria que despierta su magnífica sensualidad (que no sexualidad) nos hace ver a una mujer que es capaz de todo para satisfacerse así misma. Más tarde con el desarrollo de la obra, este hecho se confirma, y es donde nace el mito de este magnífico personaje.

La cantante que personifique a Carmen debe de estar madura en la escena, debe estar muy segura de lo que hace sobre las tablas, y debe imprimir esa sensualidad carnosa que el compositor nos da entender con la música. Es un personaje destinado a una mezzo-soprano, cuya voz es algo más oscura que la de una soprano. No es necesario que haga alardes pirotécnicos vocales, pero sí debe tener un buen control del "fiato" (control sobre los músculos del diafragma que empuja el aire para que salga por las cuerdas vocales).

Cantantes que han bordado el personaje han sido muchas desde el estreno de la obra, pero me voy a centrar en la protagonista que han elegido para este anuncio: Maria Callas.

Nunca cantó en escena este papel, pero sí lo grabó al final de su carrera, en el año 1961. Su voz ya no era lo que había sido en el origen, pero la oscuridad de su timbre, le da un caracter tan fuerte al personaje que no nos hace falta verla en vivo, sino que a través del sonido es capaz de que la imaginemos conquistando a todos los que tiene alrededor.

El siguiente enlace pertenece a un concierto que dió en la Royal Opera House Covent Garden en el año 1962 (http://www.youtube.com/watch?v=6fZRssq7UlM&NR=1); a pesar de tratarse de un concierto es capaz de sacarle todo el jugo al aria en cuestión.

He de decir que la primera ópera en la que escuché a esta mujer fue precisamente con este personaje. Ahí la conocí, y desde entonces, como a cientos de miles de personas les ha ocurrido y les seguirá ocurriendo, me enamoré: De su personalidad tan arrolladora, del magnetismo que transmite en todas sus interpretaciones, de su fuerza como actriz y de esa voz tan peculiar que la ha hecho objetivo de tantos elogios pero también de tantas críticas.

En esta página, Carmen hace toda una declaración de principios sobre lo que ella piensa que es el amor. Nos lo describe como algo huidizo, que no tiene dueño, al igual que ella. Nos advierte de que quien la ame tiene que guardarse de no caer en su hechizo, porque puede ser el fin. La música, con la forma de la Habanera, nos indica esa sensualidad de la que hará gala en el desarrollo de toda la obra.


CARMEN

L'amour est un oiseau rebelle

que nul ne peut apprivoiser,

et c'est bien en vain qu'on l'appelle,

s'il lui convient de refuser!

Rien n'y fait, menace ou prière,

l'un parle bien, l'autre se tait;

et c'est l'autre que je préfère,

l n'a rien dit, mais il me plaît.

L'amour! l'amour!

L'amour est enfant de Bohème,

il n'a jamais, jamais connu de loi,

si tu ne m'aimes pas, je t'aime,

si je t'aime, prends garde à toi!...

L'oiseau que tu croyais surprendre

battit de l'aile et s'envola...

l'amour est loin, tu peux l'attendre,

tu ne l'attends plus,... il est là...

Tout autour de toi, vite, vite,

l vient, s'en va, puis il revient...

tu crois le tenir, il t'évite,

tu crois l'éviter, il te tient!

l'amour! l'amour!

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CARMEN

El amor es un pájaro rebelde,

que nadie lo puede enjaular,

es inútil llamarlo

si él no quiere contestar.

De nada sirven amenazas o rezos,

uno dice cosas bonitas, el otro se calla;

y es al otro a quien yo prefiero,

él no dice nada, pero me gusta igual.

¡El amor! ¡El amor!...

El amor es un gitanillo,

que nunca conoció ley alguna,

si tú no me amas, yo te amo,

y si yo te amo, ¡Ten cuidado!...

El pájaro que creíste sorprender

batió sus alas y voló lejos...

Si tratas de cazarlo, el amor se va,

mas si no lo intentas, él retornará.

Vuela a tu alrededor,

rápidamenteviene y va, uego vuelve;

si piensas que lo agarraste, él te evita,

si piensas que escapaste, él te tendrá.

¡El amor! ¡El amor!...


Este aria de entrada nos parecerá premonitoria en el desarrollo posterior de la obra, puesto que en estas líneas está incluido el argumento de lo que vendrá después.

11 de septiembre de 2009

Publicidad y Ópera (IV) - Casta Diva (Norma - Vincenzo Bellini)

Una marca de moda italiana utilizó el aria "Casta Diva" de la "Norma" de Vincenzo Bellini. En el transcurso del anuncio se ve a un grupo de jóvenes modelos atusándose en lo que parece un camerino o un vestuario comunitario de chicos. Todos ellos aparecen atareados en atusarse mientras se pasan el perfume en cuestión. A pesar de ser hombres, sus cuerpos están bien formados, son jóvenes, vitalistas.
La melodía escrita por Vincenzo Bellini se enmarca dentro de la ópera "Norma". Es una obra que pertenece al denominado "bel canto" italiano, en el que se apreciaba especialmente, el virtusismo vocal de los protagonistas dejando a la música en un acompañamiento en el que apoyarse. Las arias eran introducidas principalmente por un instrumento solista y el cantante debía valerse de esa intruducción para desarrollar la melodía del aria.
Bellini fue uno de los compositores más admirados por sus colegas puesto que poseía la capacidad de generar "melodías sin fin" como refirió Wagner en alguna ocasión. Esta página es un ejemplo de ello.
Si analizamos la elección podríamos decir que el "hedonismo" de la voz de la soprano, acompaña perfectamente al hedonismo mostrado por los modelos, dando lugar a que el consumidor desarrolle la idea de que si usa ese perfume se sentirá de forma similar a los modelos cuando utilice la fragancia.
Indudablemente, yo, prefiero escuchar la melodía original en la que la protagonista eleva una plegaria a la Luna pidiendo la paz. La melodía que acompaña a esta oración es tremendamente delicada. El tema principal de la misma lo inicia una flauta, a la que le da continuidad la voz de la soprano, y seguidamente el coro hace algunas intervenciones para aumentar el volúmen. Es una de las arias más famosas de la historia de la Ópera.
Para aquéllos que quieran escucharla existen muchas grabaciones. Las más recomendadas son las protagonizadas por María Callas, Joan Sutherland y Monserrat Caballé. Cada una de ellas le da un enfoque diferente, desde el dramatismo propio y particular que Callas infringía a todas sus interpretaciones, pasando por el virtusismo pirotécnico vocal que Sutherland (cual diva del siglo XIX) se permitía en todos sus papeles protagonistas, hasta llegar al compendio del sonido y la modulación en la voz completamente equilibrados de la Caballé.



10 de septiembre de 2009

Literatura y música

La Ópera no sería casi nada sin la literatura. Casi todo lo escrito para la Ópera se basa en obras literarias escritas anteriormente.

También aquí hay excepciones a la regla.

Han habido autores que han elegido una gran obra literaria como base para su creación musical y los "libretistas" (aquellos escritores, principalmente poetas, que hacían la adaptación) que se han cargado la obra, y que incluso se han permitido licencias creativas en pro del desarrollo musical. Como también los propios compositores se han visto obligados a modificar el argumento bajo la presión de los ejecutantes o los empresarios teatrales, para adecuar el desarrollo a sus necesidades de cara a las demandas del público de turno (un ejemplo, el Tancredi de Giachino Rossini). Con este tipo de acciones, se generan dos obras homónimas pero que nada tienen que ver entre sí.

Ejemplos en la Ópera romántica hay cientos, por no decir todos, ya que generalizar nunca es bueno.

Existen compositores que han realizado ellos mismos las adaptaciones de las obras literarias:
  • Arrigo Boito, es el compositor de "Mefistofele", basado en la segunda parte del "Fausto" de Johann Wolfgang von Goethe.

  • Asímismo figura como libretista de "La gioconda" de Amilcare Ponchielli con el pseudónimo "Tobia Gorrio".

  • Richard Wagner escribió el libreto de casi todas su óperas. Con ello pretendía tener el control absoluto en la creación de su obra, sin concesiones ni intervenciones de otros autores. Consiguió su objetivo, porque durante mucho tiempo, todas sus anotaciones "al margen" se respetaron para la puesta en escena de sus obras.
El comentario de hoy está provocado por algo que he leído esta mañana en un cartel publicitario.

Este año, en la temporada del Teatro Valle Inclán, en Madrid, se representa el Don Carlos de Friedrich Von Schiller (http://cdn.mcu.es/obrasg.php?ob=1&leng=es).

Ni que decir tiene que después de leer la obra literaria y de escuchar la magnífica Ópera homónima de Giuseppe Verdi, sólo me falta ver la representación teatral.

Desde que nació mi curiosidad por la Ópera, he intentado leer la obra literaria en la que se basa la composición musical para llegar hasta el fondo de la historia y comprender el mensaje de los autores (escritor y compositor). De todas aquéllas que he leído y escuchado, he sacado al conclusión de que cada autor le ha dado a su obra un punto de vista particular, y que en la mayoría de las veces, nada tiene que ver la una con la otra, pero sin embargo la una, sin la otra, no existiría.

Pero esta representación, la del Teatro Vallé Inclán, al parecer, y según reza en el siguiente artículo, es una nueva visión de la obra (http://www.dolcecity.com/madrid/2009/09/don-carlos-opera-en-escena.asp).

La puesta en escena corre a cargo de Calixto Bieito, al que le preceden innumerables creaciones "revisadas" en cuanto al concepto visual y teatral. Todavía recuerdo el escándalo que se formó en el Liceu de Barcelona con su puesta en escena de Un Ballo in maschera de Verdi. A esta obra le han seguido otras muchas, que también han levantado ampollas en los "puristas". No entiendo ese afán de cambiar el concepto, pero lo respeto e intento comprender si el mensaje final del compositor es el mismo que pretende el regidor.

La música para esta ocasión es de Gyorgy Ligeti (http://es.wikipedia.org/wiki/Gy%C3%B6rgy_Ligeti)

Imagino que con estos ingredientes el éxito está asegurado, ya que la calidad unida al talento, siempre da buenos resultados, a pesar de aquéllos que no están preparados para aceptar una nueva visión sobre una obra de tradición clásica.

P.D.
En Bayreuth hace mucho tiempo que dejaron de ver a las Walkyrias con lanzas y escudos.

9 de septiembre de 2009

Liebesnacht

En alemán, Liebesnacht significa textualmente "noche de amor".

El título no está elegido al azar.

Como buen aficionado a la Ópera me gusta la obra de Richard Wagner. Se lo debo a alguien que hace 10 años me propuso escuchar su Tannhäuser.
Hasta entonces, yo me decantaba por la Ópera Romántica Italiana y Francesa desde finales del siglo XVIII hasta el comienzo del siglo XX con el Verismo Italiano.

De Richard Wagner sólo había escuchado los fragmentos más conocidos, particularmente la cabalgata de las walkirias, y la marcha nupcial de Lohengrin.

Mi conocimiento sobre la obra de Wagner era muy limitado, y se reducía a unos cuantos artículos que había leido en libros de texto escolares y alguna que otra consulta en enciclopedias. Así mismo estaba influenciado por la relación política del autor y el régimen totalitario del III Reich. Es sabido que a Adolf Hitler le encantaba ir a Bayreuth para asistir a las representaciones de su obra que se celebran todos los veranos, y que algunos compositores (lease Richard Strauss) y algunos directores se granjearon su amistad.

Todo comenzó como una pequeña broma: A mi amigo le gustaba Tannhäuser, a la vez que también le gustaba el Rigoletto de Verdi. Así que le propuse un juego. Yo escucharía el aria de entrada de Elisabeth "Dich taure hall" del Tannhauser y le comentaría mis impresiones y él haría lo mismo con el aria de Gilda "Caro nome" del Rigoletto de Verdi.

Mi opinión fué, y si lee esto seguro que se acuerda, que Elisabeth sólo le cantaba a una sala vacía, en la que la gente participaba en un concurso de canto, que aquéllo no me transmitía ninguna emoción. En cambio defendí a capa y espada el sentimiento de Gilda por su "caro nome", que hablaba sobre la impresión que le había causado el encuentro con el Duque disfrazado de estudiante pobre.

A partir de entonces, mi curiosidad sobre esta obra fue en aumento. Tenía la grabación completa de esta ópera y nunca la había escuchado completa. También tenía el libreto, por lo que no me podía resultar muy difícil entender la letra. Así que poco a poco, me propuse escuchar la obra completa.
Primero como música de fondo, y más tarde, una vez acostumbrado a la lengua (el alemán es un poco áspero para el oído, sinceramente) escucharla libretto en mano.

El flechazo fue total. Desde el momento en que escuché los primeros compases de la Obertura, me transformé. Ese sonido y esa música cambiaron mi percepción del autor.

Mi curiosidad fue en aumento y comencé a escuchar la obra con el libreto delante. Allí empezó todo.

En algún sitio leí que a Wagner se le odiaba o se le amaba, que no había término medio. Y me enamoré de él. Literalmente.

A este acontecimiento le siguió el aumento progresivo de mi curiosidad sobre la obra de este compositor, y empecé a escuchar todas sus obras paulatinamente. Descubrí su autobiografía, y la leí. Un libro tremendamente interesante, tan denso como su obra musical.

Mi visión sobre su música cambió y comencé a comprender lo que su obra transmitía. Detrás de esas historias de héroes románticos, envueltos por una poesía y una música totalmente embriagadoras para todos aquéllos que han entendido el mensaje de su obra, se esconden los sentimientos, sensaciones, anhelos, sueños,... de sus protagonistas.

"Liebesnacht" es el sobretítulo por el que se conoce la escena de amor entre Tristán e Isolda, que transcurre en el segundo acto de la obra. En ella se narra el encuentro furtivo y nocturno de los amantes, y en el que expresan sus anhelos amorosos más profundos, a la vez que místicos, sobre el amor que los mantiene unidos a pesar de las circunstancias que les rodean.

Durante un muy breve período de tiempo lo compartí con alguien que entendió y comprendió estos pensamientos e incluso fuimos capaces de verbalizar lo que la música nos hacía sentir. Como muchas de las cosas breves e intensas que ocurren a lo largo de la vida, cuando acaban, nos hacen pensar al cabo de algún tiempo que cualquier experiencia pasada fue mejor, creando una idealización de esa experiencia. Para mí fue sino la mejor, una de las mejores vivencias que he compartido.

Este blog pretende ser un transmisor de emociones, opiniones, etc... que la música clásica y en particular la Ópera me produce, fuera de los tecnicismos y la crítica de los expertos, a la vez que un homenaje a aquella Liebesnacht que yo viví.